Del 9 al 11 de febrero de 2012
Décimo Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo
El futuro: de vuelta a la cuenta larga
Director Shuddhabrata Sengupta

Horario:
Jueves 9 y viernes 10 de febrero: de 11:00 a 18:00 horas.
Sábado 11 de 10:00 am a 15:00 horas.
Cuota de recuperación $75 pesos por día.
Maestros y estudiantes con credencial vigente $50 pesos por día (directamente en taquilla del teatro)
www.ticketmaster.com.mx

Sede:
Teatro Julio Castillo
Centro Cultural del Bosque
Campo Marte s/n Col. Chapultepec Polanco
C.P. 11560, México DF

Algunos de los invitados:
Eduardo Abaroa
Mariana Botey
Abraham Cruzvillegas
Iconoclasistas
Fran Ilich
Laura Restrepo
Michel Rojkind
Tino Sehgal

El Patronato de Arte Contemporáneo A.C. (PAC), presenta la décima edición del Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo (SITAC X), el cual se llevará a cabo del 9 al 11 de febrero de 2012, en el Teatro Julio Castillo.

El tema de SITAC X, bajo la dirección del artista y curador Shuddhabrata Sengupta será El futuro: de vuelta a la cuenta larga. Durante tres días artistas, arquitectos, teóricos, escritores y visionarios del arte contemporáneo expondrán sus ideas sobre el futuro a través  conferencias, proyecciones y performances.

Como cada año, paralelo al SITAC se llevarán a cabo una serie de clínicas dirigidas por la curadora Sofía Olascoaga. Se articularán en tres grupos de trabajo: Educación, Comunidad y Condiciones de trabajo, diseñados por los facilitadores invitados.
 
Más información. www.pac.org.mx/sitac.

Imaginemos una ola de magma incandescente deslizándose desde las entrañas del volcán del Xitle en el Ajusco hacia el sur de la ciudad y formando una circunferencia de 120 metros en lo que ahora es la Ciudad Universitaria.

Este escenario, que hace más de 2,400 años debió ser una escena apocalíptica, fue el lugar que eligieron los arquitectos Helen Escobedo, Manuel Felguérez, Matías Goeritz, Hersúa, Sebastián y Federico Silva para una de las obras públicas más importantes de nuestra urbe.

Inaugurado el 23 de abril de 1979, esta obra que ha ilustrado la vida de más de treinta generaciones de universitarios, consta de sesenta y cuatro formas piramidales dispuestas en una circunferencia.

A pesar de ser una intervención tan arbitraria en un espacio natural, debemos reconocer la maestría de sus creadores al lograr una integración que los espectadores percibimos y asimilamos como una experiencia muy orgánica; quizá la clave de esta obra está en la sencillez de sus formas y en su orientación que obedece a los cuatro puntos cardinales.

Como buena obra escultórica se le puede observar desde todas las perspectivas, fue diseñada para ser recorrida y recomendamos especialmente observarla desde el centro de la superficie de roca volcánica.

Es especialmente placentero visitar este lugar al caer el sol y trepar a una de sus pirámides, mientras las sombras forman un juego lumínico que vale la pena presenciar.

Por décadas ha formado parte de la identidad universitaria y continúa instalándose en el recuerdo de sus visitantes.

El Espacio Escultórico se ubica frente al Centro Cultural Universitario, una forma sencilla de llegar es por Avenida Insurgentes.

Está abierto de lunes a viernes de 9 a 18 horas.

Manuela Irene

Bien es sabido que dentro de la catástrofe que significó el sismo de 1985 para la Ciudad de México, este episodio dramático también vino acompañado de aspectos positivos derivados de una necesidad de reconstrucción tanto física cómo social de la sociedad después de esta terrible tragedia.

Algunas de estas consecuencias positivas fueron la capacidad de organización y el sentido de unión que desarrollaron algunos sectores de la sociedad. Otra, fue el arribo del artista belga Francis Alys, quien ese mismo año, a sus 26 años de edad, llegó a la ciudad como parte de una brigada que mandó el gobierno belga para asistir a la reconstrucción de la capital del país que se despertaba de los escombros.

Lo que Alys nunca se imaginó cuando llegó como un joven voluntario, es que esta ciudad que rescataba de entre las ruinas pronto se convertiría en su segunda ciudad. La capital mexicana despertó en el belga tal curiosidad y asombro que decidió quedarse a vivir en ella, adoptándola como un campo permanente de estudio.

El trabajo al que originalmente había llegado a realizar seguiría en pie, solamente que de una manera muy distinta a la planeada. Lo haría a través del arte y el performance., no construyendo casas y edificios.

Gradualmente, Francis Alys se fue integrando a la vida de la capital de un país que se encontraba en plena transformación y de la cual no sólo quería ser testigo, sino participar y ser parte de dicha transformación. Con las ventajas que brinda una mirada extranjera, Alys se puso a trabajar dentro un paisaje al que no estaba acostumbrado, pero que sin duda le intrigaba y le fascinaba.

Las calles de la ciudad: su gran inspiración
Alys mostró especial interés y curiosidad por la vida que se desarrollababa en las calles de la capital mexicana, en gran parte de sus piezas y videos, las calles y los habitantes de la ciudad son los principales protagonistas.

“Re-Enactment” es un performance para el cual Alys se lanzó a caminar por la ciudad con una pistola en mano a la vista de todos, su intención era registrar las reacciones de las personas y las autoridades. Alys logró caminar con la pistola en mano por aproximadamente 12 minutos sin que nadie le dijera nada. Pasados los 12 minutos fue sometido por un grupo de policías y sin ser cuestionado fue trasladado con un juez.

Al ser cuestionado por las autoridades, Alys simplemente argumentó que el iba caminando por la calle como cualquier día sin intención de agredir a nadie. Poco después no solamente fue liberado, si no que logró convencer a las autoridades de re actuar esa escena, esta vez con la participación de los policías fungiendo su papel.


Con ello, Alys busca evidenciar a todo lo que puede llegar a acostumbrarse una sociedad. El hecho de que durante esos 12 minutos nadie entrara en shock o en pánico, y que los policías hayan participado en re actuar la escena, pone en evidencia lo que nos parece normal pero que probablemente no lo es. ¿Cómo hubieran reaccionado tanto los habitantes y policías en alguna otra ciudad del mundo ante este acto?

Lo interesante del trabajo de Alys es que invita a reflexionar sobre situaciones en la vida cotidiana que para quienes ya están acostumbrados resultan perfectamente normales, pero que sin duda sorprenderían a alguien ajeno.

Así, Alys realizó una serie de trabajos con este carácter poético/político que se refleja también sus fotos de perros callejeros, de cargadores ambulantes, reunión de barrenderos y muchos más.

A simple vista, su trabajo en ocasiones podría parecer absurdo o carente de sentido, por lo que es importante afinar la lectura para entender lo que está intentando comunicar. Por ejemplo, en su pieza “Paradoja de la Praxis” el artista recorre el centro de la ciudad con un bloque de hielo hasta que éste se derrite por completo, dejando únicamente una estela de agua en el camino. Con ello, Alys expone las condiciones en las que viven miles de capitalinos: calles polvorientas y agrietadas, charcos de agua sucia aquí y allá, basura por todas partes, prostitutas, mariachis cantando en medio del caos.

Una vez más, pone de manifiesto cosas que a veces podemos ver como normales pero que no lo son.

“Re-Enactment” y “Paradoja de la Praxis” son tan sólo dos ejemplos de este artista que aunque nunca dejará de ser extranjero probablemente conozca mejor los secretos, los gozos y amarguras de vivir en la ciudad de México que muchos capitalinos,

Poco más de dos décadas después de haber llegado a reconstruir la Ciudad de México después del terrible terremoto, Alys lo sigue haciendo de una manera más poética, a través de un trabajo que acentúa las condiciones sociopolíticas de esta ciudad para quien esta dispuesto a reconocerlas.

Su trabajo ha sido reconocido mundialmente durante los últimos años, exponiendo en los museos más importantes cómo el Tate Gallery en Londres y el MoMa en Nueva York.

Si te interesa conocer más la obra de Francis Alys alrededor de la ciudad, te dejamos una lista con algunos nombres de sus performances.

-Barrenderos
-Patriotic Tales
-Zocalo
-“El gringo”

@alogorozpe

Central Art Projects abre sus puertas a REPLAY, una muestra que presenta la obra de los artistas Oscar Berglund (Suecia, 1977) y Anders Brinch (Dinamarca, 1971).

Con la premisa de que el binomio trabajo-juego es campo fértil para el arte, Berglund y Brinch retoman materiales diversos –algunos encontrados en las calles, otros en tiendas de segunda mano- y los transforman en objetos escultóricos, figuras abstractas que pueblan el espacio en una suerte de jardín de colores y texturas híbridas.

El proceso lúdico y espontáneo del trabajo de estos artistas escandinavos es evidente. Si bien los resultados son diametralmente distintos –desde unas esculturas de calcetas o un monocromo hecho de cinta adhesiva-, ambos parten de una visión artística compartida. La limpieza y geometría en las piezas de Berglund conviven con el humor bizarro de Brinch. El resultado es un diálogo afortunado que nos recuerda que el arte serio no está condicionado por la solemnidad.Además, como parte del proyecto de intervenciones en la sala alterna, Eduardo Barrera presentará Content shall not be contained.

Eso de que somos primos hermanos de los primates, es algo que jamás podremos negar, o ¿a poco no has descubierto similitudes entre un orangután y tu tío el regordete, entre un mandril y tu prima la gritona o entre un gorila y tu papá?

Tanto en lo físico como en lo conductual los seres humanos y, los que comúnmente llamamos monos o changos, somos más parecidos de lo que imaginamos. De ahí que artistas como Abraham Cruzvillegas, decidan basar su obra en estas impresionantes criaturas y en las similitudes que nos unen a ellos.

“Alguna vez leí que los gorilas son genéticamente más cercanos a los humanos que las cebras a los caballos, por eso los comencé a retratar. Empecé a descubrir similitudes impresionantes entre cinocéfalos, orangutanes, cercopitecos, bonobús, catarrinos y mis padres, hermanos, tías, abuelas y primos”, explica Abraham, quien asegura que de vez en cuando sueña que es un gorila de lomo plateado.

La obra Nuestra imagen actual: Autoretratos recientes de Cruzvillegas se compone por una selección de dibujos de tres por cuatro metros, en donde un papel kraft pintado de blanco es el lienzo en donde el artista capturó los gestos más sencillos de nuestros parientes más cercanos, utilizando una escoba como pincel.

Inspirada en la labor de los caricaturistas mexicanos y en los dibujos (monotes) de gran formato que José Clemente Orozco exhibió alguna vez en alguna fonda del centro de la ciudad, esta muestra contagia al espectador del orgullo que siente el autor de ser un animal, una bestia enorme o un pequeño mono.
Si quieres ser parte de esta experiencia visita la galería Kurimanzutto, en donde la obra estará expuesta a partir del próximo sábado y hasta el 25 de febrero de martes a jueves de 11:00 a 18:00 horas y los sábados y domingos de 11:00 a 16:00 horas. ¡Allá nos vemos!

LA COCHERA DE LEONOR Y LA SUITE DE DISCO LOPEZ, son PROJECT ROOMS que ofrecen un espacio de experimentacíon. Es una alternativa a la galería silenciosa y discreta que no persigue la formalidad y el protocolo usual de las exhibiciones artísticas.

El objetivo principal es abrir las puertas a artistas y creadores cuyas propuestas jueguen con la posibilidad de tomar un espacio en blanco como punto de partida.

La intención es que el artista con su obra intervenga el espacio, y que juntos entren en un diálogo con el espectador. Somos un laboratorio de ideas, donde los procesos de creación, regeneración o destrucción de la obra, son igual de importantes que la obra en sí.

El espacio puede ser intervenido de distintas maneras y con todo tipo de disciplinas. En esta ocasión el artista e ilustrador Gibran Julian hará una intervención tomando como principal influencia la escencia de ABSOLUT VODKA.

Checa el evento en facebook, y date una vuelta.

Line up este fin:
Jueves 26 – ARI
Viernes 27 – Shakes & TV
Sábado 28 – On&Off

- Licenciatura en Diseño Integral. ITESO, Gdl. 2004 – 2009

- Estancia académica en University of Art and Design. Helsinki, Finlandia, 2008-2009

- Talleres con distintos ilustradores a nivel nacional e internacional como
- Alejandro Magallanes (D.F.)
- Mr. Kone (D.F.)
- Javier Zabala (ES)
- Gabriel Mtz. Meave (DF)
- Jutta Bauer (AL)
- Herta Muller (AL)

- Funda GIBRAVO.COM, Estudio de ilustración y comunicación gráfica,
diversos clientes a nivel nacional e internacional

- Exposición individual “YA TE VI”, Primer Piso, Gdl. 2010

- Participación en colectivo ENCUBADORA DE ARTE CONTEMPORÁNEO, 2010

- Colaboración con distintas revistas y marcas a nivel nacional e internacional

QUO, CREAM, PICNIC,
MAGIS, TIERRA ADENTRO,
TRIPULANTE, TAXI, CLASE MUNDIAL, ARTTU,
RED BULL, SQUALO, NIKE 6.0, DRY PRO, ABSOLUT, entre otras

- Colaboración con proyecto CHOLO CHAIR, ZONA MACO, México, D.F, 2011

- Expo-Intervención ABSOLUT + GIBRAVO, “El Lobo Anda Suelto”,
Suite López, Gdl. Méx, 2011.

- Impartición de talleres “ILUSTRACIÓN CREATIVA”,
Casa Vallarta/Cultura UDG, Gdl. Méx 2011.

- Colaboración MAZDA + GIBRAVO, Design Fest, Gdl. 2011

- Selección para colaboración Bienal de Fotografía, Museo de la Ciudad, Gdl. 2011-12

Polyforum Siqueiros y la Iniciativa curatorial MARSO, presentan la primera muestra individual del artista conceptual suizo Marcel Meury, uno de los jóvenes creadores más destacados de Suiza.

La exhibición, extrañamente titulada “Si quieres ver mi pierna tienes que venir hoy. El día en que mi pierna se fue” comprende una selección de fotografías, piezas de video arte, dibujos, y sobre todo instalaciones de sitios específicos que el artista desarrolló a partir de una residencia corta en la Ciudad de México.

Marcel Meury se interesa por el proceso creativo como parte fundamental de la obra. Al enfocarse en la idea del proceso más que en la del producto terminado,Marcel hace reflexionar al espectador sobre las maneras en que la obra de arte se alimenta ‐a la vez que repercute‐ en el entorno en que se desarrolla.

La obra de Marcel Meury surge de una reflexión profunda acerca de la relación entre el arte y la cotidianeidad y de la delgada línea que puede existir entre la disquisición filosófica y el absurdo. La muestra pone especial énfasis en tres aspectos fundamentales que Meury “rescató” de su estancia en la Ciudad de México: la espera, la ocupación aleatoria del espacio público y las particulares dinámicas sociales de esta ciudad.

En la muestra están presentes también las ideas de “origen”y de “raíces” que igualmente persisten en el complejo entorno de la Ciudad de México y han sido tema constante en la obra de Marcel.

Cabe destacar que la exhibición pone especial atención en la historia y peculiar arquitectura de Polyforum Siqueiros. Marcel entiende al Polyforum como una plataforma conceptual no constreñida al espacio físico, permitiendo que sus intervenciones se extiendan más allá de los muros de la galería.

Lola Álvarez: fotografía de una época es una oportunidad para adentrarse a la herencia que dejó consigo la fotografía de vanguardia mexicana y uno de sus más grandes representantes: el nacionalista Manuel Álvarez Bravo, quien con sus imágenes no sólo marcó una tendencia sino logro capturar la identidad del pueblo mexicano.

En esta muestra fotográfica el espectador realiza un recorrido por 50 años de historia visual, en la que se ve reflejada la fuerte influencia que Manuel Álvarez Bravo dejó en los artistas: Mariana Yampolsky, Raúl Abarca, Raúl Conde y por supuesto Lola Álvarez Bravo. El común denominador en el trabajo de estos exponentes responde a la necesidad de continuar con la revaloración de la fotografía mexicana a nivel mundial, dotándola de un sello muy característico como lo fue esa temática centrada en rescatar los tipos populares, el paisajismo mexicano y la arquitectura.

A grandes rasgos esta exposición se centra en la propuesta artística de Lola Álvarez Bravo, quien fungió como un eslabón básico en el renacimiento del arte mexicano; así mismo da muestra de la capacidad que adquirió durante sus años de docencia y la fuerte inspiración que tomó de los fotógrafos Edward Weston y Tina Modotti. El trabajo inédito de esta fotógrafa jalisciense podrá ser admirado hasta el 17 de febrero en el museo Casa Diego Rivera y Frida Kahlo. Es una buena oportunidad para aquellos que gustan de la fotografía pero sobre todo para aquellos que quieren recordar mediante imágenes, las raíces de nuestra nación.

por Itzel Lievanos

Raíces,  la más reciente obra del afamado escultor mexicano Rivelino se extenderá por la Ciudad de México. Se trata de una escultura rizomórfica gigante de 1.2 kilómetros de largo, una raíz que brota en la superficie y viaja imaginariamente de manera subterránea.

Con esta instalación urbana atractiva y novedosa nunca antes presentada en México,  el creador  hace un recordatorio del pasado de los mexicanos, un viaje por la historia y patrimonio de este país.

La  idea de la obra es  vincular con una raíz algunos de los edificios, monumentos y lugares más emblemáticos de la Ciudad de México. Se extiende de forma ondulante por plazas insignes y se ramifica invisible o imaginariamente por debajo de la superficie, para expulsar brotes en edificaciones históricas de diferentes épocas y estilos.

La instalación está integrada por 250 piezas y 16 elevaciones. Se presentará en 14 sitios históricos de esta ciudad: la Zona Arqueológica de Tlatelolco, Plaza de las Tres Culturas, Iglesia de Santiago Tlatelolco, Ex Colegio de Santa Cruz Tlatelolco-Acervo Histórico, Museo Colección Blaisten y Centro Cultural Tlatelolco.

Asimismo, Monumento a la Revolución, estación del Metro Hidalgo, Centro Cultural José Martí, Museo Franz Mayer, Ex Convento de Corpus Christi-Archivo General Notarías, Palacio de Bellas Artes, Museo Nacional de Arte-Plaza Manuel Tolsá y ‘El Caballito’ -escultura ecuestre.

El trabajo del escultor tapatío Rivelino es uno de esos extraños fenómenos que se dá de vez en cuando en México en el que el trabajo de un artista es más conocido en el extranjero que en su país de origen. El primer ejemplo que se me viene a la cabeza es el del dueto de música Rodrigo y Gabriela, quienes antes de ser profetas en su tierra triunfaron en Irlanda. Otro ejemplo es el artista plástico Erick Meyenberg, quien actualmente se desarrolla exitosamente en Alemania, y que esperemos regresé a la capital mexicana para exhibir su trabajo. No se que tan normal sea que esto suceda, lo que sí me parece es que es un claro indicador de que en ocasiones, las mejores oportunidades y el apoyo para crecer en el ámbito cultural, no están en México.
 
Mi primer contacto con Rivelino fue gracias a una amiga que me platicó sobre una exposición de esculturas monumentales que había montado el  artista mexicano en el zócalo del DF el pasado mes de octubre, de la cual no me había enterado. Me sorprendí de no estar enterado, ya que exponer en el zócalo implica inmediatamente un alto impacto mediático como ocurrió con el fotógrafo Gregory Colbert  y su exposición Ashes & Snow y con Spencer Tunick quien reunió a más de 18,000 personas para posar ante su cámara totalmente desnudos. En ambos casos, se habló y se le dió cobertura a ambos eventos, pero en el caso de Rivelino no fue asi.

Debo reconocer que me intereso  su trabajo y más tarde, tuve la oportunidad de conocer al reconocido escultor en su estudio, donde me platicó sobre “Nuestros Silencios”  su exposición de escultura monumental e itinerante que llevaba ya 2 años recorriendo Europa. En ella, se exhiben 10 gigantes de bronce cuyos rasgos faciales representan diferentes regiones y culturas del mundo.  Además de su monumentalidad, estas piezas transimten, mediante la boca sellada,  un claro mensaje  sobre la importancia de la expresión individual y colectiva en las sociedades actuales. Me pareció muy interesante que una exposición con este tema se presentará en el lugar de manifestación publica por excelencia del Distrito, el zócalo, lástima que se le haya dado tan poca publicidad.

Donde una puerta se cierra, otras más se abren 

Tras una charla en la que habló apsaionadamente sobre su trabajo,  no pude evitar cuestionarlo sobre la razón de haber expuesto  y triunfado en tantos países antes de hacerlo en el propio, y me contó su historia.

Rivelino, de 38 años de edad, había sido designado el artista mexicano con el que se inauguraría el año de México en Francia, acontecimiento cultural para el cual se tenia planeado que “Nuestros Silencios” cruzara en un barco cargado con las 10 esculturas  el río Sena. Sin embargo, 8 horas antes de que estas esculturas que habían cruzado ya el Atlántico para embarcarse en su aventura en el año que conmemoraba la cultura mexicana en Francia, este acto fue cancelado por Nicolas Sarkozy para dedicárselo a Florence Cassez, mujer francesa acusada de secuestro en México. Esta decisión del gobierno francés frustro junto a la travesía de Rivelino a otras 350 actividades culturales con las que se buscaba presentar una nueva imagen de México ante Francia.
 
Cuando se hizo oficial la cancelación del evento, Rivelino, fiel al argumento y principios  que daban vida a sus esculturas, no se  quedó en silencio. En desacuerdo con la decisión tomada por el presidente de Francia de cancelar el año de Mexico en Francia, Rivelino decidió no llevar “Nuestros Silencios” a Francia (razón por la que las esculturas ya nunca tocaron Paris) y en cambio, emprender nuevos rumbos dentro del continente.  
 
“Fue muy frustrante y decepcionante pero debía de seguir, al fin y al cabo las esculturas ya estaban del otro lado”, confiesa Rivelino. Tras la cancelación del Año de México en Francia hubo países en Europa que aprovecharon la oportunidad para invitarlo a exponer. La primera ciudad que visitó fue Lisboa, y fue tal el éxito que otras ciudades europeas cómo Madrid, Bruselas, Potsdam, Roma, Londres, Rotterdam y Moscú también le abrieron las puertas. Este recorrido por las grandes capitales permitió que más de 5 millones de personas tuvieran acceso a estas esculturas consagrando así a “Nuestros Silencios” y a la escultura Latinoamérica en Europa.
 
 
Habiendo triunfado en Europa, la exposición llegó al Distrito el pasado mes de octubre. Lamentablemente solo duró un mes pues era el tiempo que se le permitió ocupar la plancha del zócalo, que cuenta con una lista de espera para formar parte de su agenda. Al enterarme de toda esta travesía me dieron mas ganas de ir a verlas y juzgarlas por mi propia cuenta, sin embargo, la pura historia de lo que sucedió durante esos 2 años recorriendo exitosamente mas de 7 países en Europa con 10 esculturas de mas de 1 toneladas cada una es ya una proeza que merece ser valorada. 
 
@alogorozpe
 

A más de 25 años de su última retrospectiva, Gerardo Murillo, personaje multifacético más conocido como Dr. Atl, vuelve a recuperar el sitio que le pertenece como figura central de las artes plásticas en México. El Museo Colección Blaisten, ubicado en el Centro Cultural Universitario presenta  la exposición “Dr. Atl, Obras Maestras”, en homenaje a este paisajista, innovador en técnicas pictóricas y maestro de los grandes muralistas del siglo XX.

Por medio de un gran esfuerzo de la Universidad Nacional Autónoma de México, hoy reaparece ante el público el Dr. Atl con un notable conjunto de 104 óleos (paisajes y retratos) que se presentan en el Salón Juárez, así como 85 dibujos y bocetos en la Sala de Exposiciones temporales de la propia Colección Blaisten.

Gerardo Murillo, pintor, escritor y vulcanólogo nacido en Jalisco en el año de 1875 fue un gran observador del México de principios de siglo XX, época en la que realizó una inmersión en el espíritu transformador de las vanguardias y realizó varios viajes al extranjero. En Europa, realizó estudios universitarios en filosofía y derecho en la Universidad de Roma. Durante su estadía en París incursionó en el mundo del periodismo con Action d’Art, periódico que fundó y lideró con la concepto de plasmar las ideas de los artistas de aquel momento, que proyectó a la Liga Internacional de Escritores y Artistas, organismo del que fue fundador.

A su regreso a México, se encargó de la dirección de la Academia de Bellas Artes, donde conoció y enseñó a quienes se transformarían en los grandes muralistas del país: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

Conjuntando sus estudios en pintura y vulcanología (estos últimos realizados en Italia), Atl comenzó a retratar paisajes a campo abierto y convirtió en un hábito el escalar el Popocatépetl y el Iztaccíhuatl; la fascinación por los volcanes le dio la oportunidad de presenciar el nacimiento del Paricutín en Michoacán, del cual elaboró numerosos trabajos y por el que fue reconocido e imitado. “A través del paisaje, Dr. Atl genera un sentimiento de orgullo de nuestra tierra que contribuye a la formación de la identidad nacional”, apuntó Andrés Blaisten.

Debido a las frecuentes visitas a los volcanes, contrae una enfermedad que deriva en gangrena y, después, en la amputación de su pierna derecha. Este hecho impulsa a Murillo a buscar nuevas formas de desarrollar la pintura: crea un nuevo perfil, haciendo paisajes con punto de vista aéreo, gracias al préstamo de helicópteros que obtiene de Pemex. Así, logra reinterpretar la energía y belleza del paisaje nacional.

Otra de sus innovaciones fueron los llamados Atl-colors: colores hechos a base de resina, cera y petróleo con los que se podía pintar en materiales diversos, desde roca hasta papel, que le aportaban una consistencia única a la pieza. Esta técnica fue utilizada por Murillo para elaborar numerosas obras y sirvió para el desarrollo de nuevos estilos.

Gerardo Murillo fallece en 1964 a los 89 años de edad, consagrando con sus pinturas todos aquellos ideales e inquietudes, que describen una personalidad compleja, que no es ajena a las vicisitudes de una época convulsa en el mundo.

“Pocas veces se ha presentado una exposición de estas características en la UNAM. El Museo Colección Blaisten rescata una figura que marcó pauta en la plástica, con el fin de cumplir el objetivo fundamental de este museo: reposicionar el arte mexicano y darlo a conocer al público en general”, dijo Vannesa Bohórquez, directora del Museo Colección Blaisten.

El Museo Colección Blaisten se ubica en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT), perteneciente a la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Forma parte fundamental del proyecto del Centro Cultural Universitario Tlatelolco y de la UNAM, ya que permite acercar lo mejor del arte mexicano a una parte de la población que por mucho tiempo permaneció distante o ajena a la oferta cultural.

El Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta, por  primera vez  en la ciudad de México, la obra del destacado escultor australiano Ron Mueck, distinguido en el ámbito del arte contemporáneo por la fascinante verosimilitud y el deslumbrante realismo que caracterizan sus obras. El artista explora la representación figurativa como un recurso con el que, reduciendo o aumentando la escala de sus modelos, según lo requiera el tema, logra imprimir vida a sus creaciones.

Con una trayectoria que le ha merecido el reconocimiento como uno de los escultores más sobresalientes en la escena mundial, Ron Mueck llega al Centro Histórico, gracias a la unión de voluntades de la Universidad Nacional Autónoma de México, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y el Gobierno del Distrito Federal, instituciones mandantes del Antiguo Colegio de San Ildefonso. Podremos  sorprendernos con las esculturas “hiperrealistas” de uno de los grandes del arte universal.

Con un gran conocimiento de los materiales que emplea, Mueck explota su dominio de la anatomía y su talento para detonar ante estos seres inmutables, emociones, exclamaciones, así como reflexiones sobre el límite entre la realidad y el artificio, el trecho entre lo revelado y lo oculto, el vínculo palpable que une presencia y ausencia. En ninguna otra obra actual como la suya, se ajusta tan atinadamente la observación de que las apariencias engañan y que las obras colman la ausencia de su autor. Su autorretrato es una máscara, una morada que oculta y revela su esencia. Una ventana abierta al abismo de lo invisible, que sorprende el sueño que vela sus desdoblamientos.

Meticuloso en el menor detalle y con acabados estremecedores, Ron Mueck crea esculturas que transitan las edades del hombre, desde el nacimiento hasta la muerte con miradas evasivas que apuntan sus propias preocupaciones. Son metáforas etéreas de la compleja vida interior que proyectan. Su proximidad física es resguardada por una distancia psicológica que solo la imaginación puede fecundar.

Dispuesta en 791 m², la exposición presenta nueve esculturas elaboradas en técnica mixta con materiales como silicón, fibra de vidrio y acrílico que Mueck realizó entre el 2000 y el 2009. La muestra incluye Máscara II (2001-2002), escultura en la que el artista reproduce su propio rostro a manera de autorretrato. Sobre esta pieza, de 77 x 118 x 85 cm, Justin Paton, curador en jefe de la Christchurch Art Gallery Te Puna Owaiwhetu, escribe: “La cabeza dormida, solitaria y descomunal captó mi atención cuando entré a la galería. Podía ver la fuerza de la gravedad en sus mejillas, el brillo de la saliva dentro de su boca y cada pelo meticulosamente implantado en su barbilla. Si me acercaba lo suficiente estaba seguro de poder oír el silbido de su respiración a través de sus labios. Me parece que aquí se encuentra un ejemplo de lo más extremo del autorretrato…”

El artista, con sus obras de proporciones poco convencionales, busca recrear la magnitud de las emociones con relación al cuerpo, resaltado los más minuciosos detalles, desde la pigmentación de la piel, la más sutil de las arrugas, los vellos y las expresiones faciales, que sin dificultad crean de inmediato un vínculo con la “realidad”.

Se presenta Hombre en bote (2002), en la que se observa a una persona sin ropa dentro de una canoa, los brazos cruzados, el cabello cuidadosamente peinado y su rostro con una expresión de recelo. Pese a los meticulosos detalles de la escena, parece más la imagen de un sueño materializado que pudiera interpretarse como una metáfora de la vida, un viaje sin un destino definido.

En las esculturas de Mueck, el espacio juega un rol crucial en la interacción con la obra y la acción que representa. Trabaja a escala para proporcionar efectos emotivos y expresivos. Por ello, cuando Ron Mueck visitó San Ildefonso, a principios de 2011, analizó las salas de exhibición para desarrollar la museografía y mostrar al espectador una posición ventajosa para estudiar las expresiones y analizar cada detalle del lenguaje corporal de sus obras.

El encuentro con la obra de Mueck produce en el visitante la sensación de ser un intruso o un fisgón, que irrumpe la intimidad. Sus figuras capturan momentos de solitaria reflexión, con los ojos abiertos y la mirada perdida en aparente despreocupación del mundo que las rodea. Las esculturas logran expresar la noción de la introspección y revelan con maestría el nivel de sofisticación de un pensamiento.

Al mirar las piezas, el espectador puede reconocerse en situaciones similares de introspección, como es el caso de En la cama (2005), o admirarse de la fragilidad del ser humano en Bebé (2000). Reta al intelecto a plantearse que no importa cuán reales parezcan algunas imágenes, al final son meramente representaciones. Se exhiben también las esculturas Juventud (2009), Naturaleza muerta (2009), Mujer con palos (2008) y Pareja acurrucada (2005-2007).

El artista se pregunta si una escultura moderna en el entorno secular de una galería puede entender un tema como la muerte, que ha sido tradicionalmente abordado por el arte sacro y religioso. Ron plantea esta incógnita en una de sus más recientes esculturas, A la deriva (2009), un hombre, un poco bronceado, sobre un colchón inflable, flota en medio de un fondo azul, sin libro, ni bebida; pero al mismo tiempo esta obra, colocada en la pared por Mueck, nos remonta a los crucifijos del siglo XVII, que cuelgan en lo alto de las iglesias. Aquí Mueck nos ofrece una variación contemporánea: una crucifixión que parece salir del mundo material del siglo XXI.
 

La primera vez que estuve frente al trabajo de Pinzón, no pude evitar SENTIR. Eso fue lo que sus fotografías provocaron en mi. Me asombró el hecho de estar observando, mirando una fotografía, y que en ese momento sentimientos y pensamientos inundaran mi cuerpo.

Sí, esa sensación fue la que tuve al cruzarme con una fotografía de la serie “LA VERDADERA HISTORIOA DE LOS SUPERHÉROES”, la cual mostraba a un hombre vestido de Hulk mientras carga una caja de plátanos. Al investigar más sobre su trabajo,  supe que esta serie busca  reconocer a aquellos millones de inmigrantes que radican en E.U.A y que luchan a diario, dándoles el caracter de superhéores . Su trabajo nos invita a reflexionar sobre la fuerza laboral que alimenta nuestra economía consumista.

En general el trabajo de Dulce muestra un compromiso con lo social, lo político y económico, es un trabajo que va más allá, dandole una voz a los sucesos y a las personas, lo que para mí lo hace un trabajo comprometido y hermoso a la vez.
Tuve la oportunidad de platicar con Dulce Pinzón y tener  un mayor acercamiento a su trabajo y a su proceso creativo.
 

De raíces mexicanas, Dulce Pinzón estudió ciencias de la comunicación en la Universidad de Las Américas en la ciudad de Puebla y Fotografía en La Universidad de Indiana en Pennsylvania, años más tarde se mudó a Nueva York en dónde continuó sus estudios de fotografía en el International Center of Photography.

M ¿Quién es Dulce Pinzón?

D -Esa soy yo, una mujer libre, artista, madre y muy apasionada de todo lo que hace.

M ¿Cómo fue tu primer acercamiento a la fotografía?

D auch… Pues tomando fotos con cámara análoga, pasando largo tiempo en el cuarto oscuro, empujándome al máximo para poder expresar concretamente mis ideas a través de imágenes…gozando cada fruto de mi trabajo y aprendiendo de mis errores.

M ¿Cómo decidiste dedicarte a la fotografía? O por qué?

D Más bien decidí fotografiar porque es mi lenguaje, la manera en la que puedo comunicar mejor mis ideas, intereses, frustraciones y emociones.

M ¿Qué quieres transmitir con tu trabajo? ¿En algún momento has deseado que el espectador sienta algo en específico?

D No necesariamente, no lo sé, a mí me gusta y me satisface  compartirla con la esperanza de crear alguna experiencia  en el otro.

M ¿Qué tanto hay de ti, de tu esencia, en tus fotografías?

D Mucho, es a través de las fotos que creo que me permito volcar todas mis fantasías, mis ilusiones y mis ganas de contribuirle a la causa…

M ¿Qué te inspira?

D Es difícil de responder porque a veces uno necesita buscar algún detonador de inspiración ya sea una película, un libro, una canción; pero hay veces que de la nada encuentro a mi paso en el lugar menos esperado una luz increíble, una persona, un olor, una situación no necesariamente agradable que inspiran sentimientos importantes y detonan imágenes en mi cabeza que urgen por salir y así es el proceso creativo.

M Tu vida está en Nueva York y México, estudiaste en ambos lugares y te has desempeñado en los dos; ¿En cuál de los dos es mejor la enseñanza y en cual ves más oportunidad ?

D New York es una escuela maravillosa, es una experiencia, viví ahí casi 15 años, mi conciencia se formé allá; al regresar a México pensé que iba a ser imposible adaptarme y sobre todo subsistir pero me he llevado una gran sorpresa; creo que cuando uno está abierto a lo que venga y es diciplinado, las cosas se dan…y como dice la canción: If I can make it there, I’ll make it anywhere, It’s up to you, New York, New York. …

M Hoy en día todo mundo se dice fotógrafo… ¿Para ti que marca la diferencia de serlo o no, cuál es esa parte que lo acredita y cuál la que le desacredita?
Creo que ahora con tantas herramientas para hacer fotos cualquiera puede hacer una foto decente, desde la toma a la post-producción, pero lo que hace a un verdadero fotógrafo es el compromiso, la búsqueda, la intención y eso se nota inmediatamente no crees?

D ¿Tienes algún artista al cual admiras?
Tantos! A través del tiempo mis influencias han cambiado pero me han marcado desde fotógrafos netamente periodísticos hasta de moda; sería injusto dejar algunos fuera al crear una lista…


Actualmente la  obra de Dulce Pinzón se presenta en la galería Patricia Conde con la exposición “Historias del paraíso” , una serie de reflexiones fotográficas que Dulce crea dentro de un ex Museo de Historia Natural antes de ser demolido. Animales disecados en su propia disección, bosques construidos de papel tapiz y pintura, trampantojos botánicos, personas atrapadas en los cincuenta, forman parte del paraíso perdido y simulado que las fotografías recrean.

En esta ocasión  los animales  nos observan y observan su mundo plástico, lo cual nos invita a concientizar sobre la naturaleza, los cambios y destrucciones producto de la intervención humana.

Esta exposición la puedes disfrutar en Patricia Conde Galería hasta el 15 de Diciembre.

Patricia Conde Galería
Lafontaine 73, Polanco
México, D.F.
www.patriciacondegaleria.com
info@patriciacondegaleria.com


@jesuismish 

Cineteca Nacional, a través de Conaculta Cine, se ha planteado como uno de sus objetivos más importantes la difusión de la cinematografía mexicana en todos sus niveles, por lo cual el apoyo a proyectos de investigación y la publicación de los mismos es parte fundamental del proceso. Es el caso de Ciudad de Cine D.F. 1970 – 2010, del investigador Hugo Lara Chávez; un título que a través de sus páginas, y una rigurosa curaduría fotográfica, repasa los recientes cuarenta años de vida de una ciudad ecléctica y multicultural, como lo es la ciudad de México. Editado por la Cineteca Nacional.

Dividido en diez capítulos, Ciudad de Cine representa la segunda parte de una investigación realizada en el 2007 para una exposición de imágenes que fue montada sobre las rejas del Bosque de Chapultepec, donde la ciudad era vista como un escenario natural del cine urbano. Como una forma de darle continuidad a este primer proyecto, la Cineteca Nacional retoma esta valiosa investigación y edita el presente título, el cual muestra a la ciudad de México como el escenario perfecto y a la vez como un personaje más que complementa las acciones de cientos de películas aquí filmadas. El libro es también un vínculo entre esta urbe, reinventada una y mil veces en la gran pantalla, y nuestra sociedad.

Los títulos que dan nombre a cada uno de los capítulos se transforman en conceptos que definen la esencia tanto de la ciudad como de sus habitantes. La publicación logra desarrollarse a través de un hilado de imágenes que, a la vuelta de cada página, dan testimonio no sólo histórico, sino también antropológico, del desarrollo de una de las urbes más importantes del mundo.

Con fotografías de filmes como Batalla en el cielo (Carlos Reygadas, 2005), Conozca la cabeza de Juan Pérez (Emilio Portes, 2008), Malos hábitos (Simón Bross, 2005), Amores perros (Alejandro González Iñárritu, 2000), Los motivos de Luz (Felipe Cazals, 1985), La hija del caníbal (Antonio Serrano, 2002), Santo contra los asesinos de otros mundos (Rubén Galindo, 1971), sólo por mencionar algunos ─el libro incluye más de cien títulos─, Ciudad de Cine da cuenta de cómo la capital que habitamos se ha convertido durante los últimos cuarenta años en el escenario perfecto para los realizadores que han labrado la historia de la cinematografía nacional.

 

El controvertido cantante y ahora también artista plástico Marilyn Manson presenta por primera vez en la Ciudad de México su más reciente exposición The Path of Misery.  Inspirado por artistas como Salvador Dalí y Egon Schiele,  Manson pertenece a la vanguardia vienesa de la posguerra. Fascinado por lo grotesco y lo degenerativo, el artista nos guía hacia su interior a través de 30 pinturas en acuarela que muestran figuras estilizadas y en descomposición.

Manson ha presentado sus obras en varias exhibiciones individuales en museos y galerías de Viena, Los Ángeles, París, Berlín, Miami, Moscú, Colonia y Sao Paulo, entre otros. La exhibición The Path of Misery es organizada y producida por 212 PRODUCTIONS, en colaboración con el Antiguo Colegio de San Ildefonso. 

A partir de la recolección de elementos, Xavier Rodríguez crea una serie de piezas que reflexionan en torno a lo suplementario y a lo esencial a través de su manipulación y acomodo en el espacio. Accesorius (suplementario, adjunto, accesorio) es un derivativo de Accessor, palabra del latín medieval, que a su vez deriva de la palabra latina accessus (acercamiento, llegada, entrada). El proyecto ACCESSOR oscila entre la idea del objeto como suplemento del cuerpo humano y como aproximación o entrada a señalamientos ideológicos. En esta exposición se presentan trabajos bidimensionales y tridimensionales que enuncian esta ambigüedad.

Los objetos son diseñados tanto para solventar necesidades básicas como para cubrir necesidades creadas por el sistema de consumo. Ambos están en intrínseca relación y en ocasiones dependen unos de otros para su funcionamiento.


En general los objetos pueden ser considerados como extensiones del cuerpo y son creados para auxiliarlo en sus funciones vitales. Sombreros, lentes, zapatos, cuchillos, lámparas, sillas, plumas, pieles, cuernos, papel, tinta, entre otros, son accesorios que facilitan el quehacer cotidiano y la interacción con el ambiente circundante. Estos a su vez tienen una carga simbólica determinada por factores socio-económicos y culturales, que dictan parámetros entre lo necesario y lo suplementario, entre lo relevante y lo intrascendente, entre lo conservable y lo desechable.


El hombre existe en función a los objetos que crea y colecciona. Incluso, se puede afirmar que el hombre se define en relación a sus objetos y a la manera en que los usa y manipula. El constante choque de estos contrarios crea nuevas concepciones estéticas y experiencias diversas.


Xavier Rodríguez desarrolla su trabajo a través de diferentes disciplinas que emergen de la práctica del arte conceptual: performance, video, fotografía, instalación, escultura, arte sonoro, dibujo y diseño. Su obra reflexiona en torno al arte como una actitud ante la vida, recreando la realidad inmediata, buscando nuevos signos para desarrollar lecturas inéditas acerca de lo evidente y utilizando el absurdo que existe dentro de todo sistema humano. Asimismo, toma la improvisación como mecanismo para fomentar la intuición, usa la observación de lo cotidiano como un poderoso vehículo de vida y concibe al cuerpo como filtro y como contenedor de toda experiencia estética.

Fotos Archivo: Garash Galería

El día de ayer tuvo inicio la inauguración de la exposición “Ron Mueck Hiperrealismo de alto impacto” y es esta parte de alto impacto la que cabe resaltar ya que es una frase que describe en su totalidad la sensación que estoy segura que todos los espectadores de la obra tenían al estar frente a alguna de las esculturas de Mueck.

La exposición consta de 9 esculturas elaboradas en técnica mixta con materiales como silicón, fibra de vidrio y acrílico que el artista realizó del 2000 al 2009 que están instaladas dentro de un espacio de 791 metros cuadrados, para este proceso Mueck visitó anteriormente el colegio y sus salas para que cada detalle fuera perfecto.

Le expresión de asombro por parte de los espectadores nunca faltó, admiraban el detalle más mínimo de cada una de las obras que evocaba a momentos personales, de meditación y calma, pero uno de los temas que Mueck tocó también en esta obra es el de la muerte cunado sus obras parecen ser tan reales, tan vivas.

La luz, esencial y de suma importancia en esta muestra es excelente resalta cada parte de las obras, esta parte estuvo encargada por el equipo de producción, montaje e iluminación:
-José Castillo
-Gerardo Hernández
-Eduardo Morales
-Hugo Morales
-Erasmo Hernández
-Antonio Castro y Guillermo Pérez

NO FALTEN!!!

@jesuismish

Cómplices extraños, nos encontrábamos en el silencio bullicioso de una callejuela del centro. Los edificios de ángulos imposibles flotaban cada vez más alto en el ocaso, y nos era imposible creer que la noche lo pudiera engullir todo, reinstaurándonos en la acostumbrada escena de barecillos atiborrados y luces eléctricas, reanudando el curso de la normalidad.

Algo criminal o trascendente estaba a punto de surgir de nuestra caminata. Desde la grieta que se abría entre el mundo que pisábamos y el que yacía suspendido en el claroscuro, se asomaba una realidad radiante, como el mediodía en Argel.

Y entonces, ante sus azorados ojos negros, el vértigo se apoderó de mí, y reaccioné como cualquier buen capitalino: le di una larga fumada a mi cigarrillo y pronuncié esa anécdota trillada y terrible:

–Sabes, cuando André Breton vino a la ciudad de México, nadie lo esperaba para recogerlo en la estación de trenes; entonces, se perdió por la ciudad y pasó horas a la deriva, así, como nosotros ahora. Días más tarde, después de haberse aclimatado un poco, prologó su conferencia en la universidad diciendo que él no tenía nada que hacer detrás de ese podio: ¿de qué diablos iba él a hablarles a ellos? Después de todo, sentenció Breton, México es el país más surrealista de todos.

Y es cierto –rematé para aplastar cualquier ambigüedad que se pudiera haber escabullido–; mira nada más: los edificios que se hunden, la gente que emerge de las sombras… Esto es surrealismo puro, ¿no crees?

Y así, el suave incendio crepuscular se extinguió, sofocado por mis palabras, carbonizando la complicidad, la extrañeza, el sol de Argel. Lo insólito de sus ojos se borró inmediatamente y se tornó en una mirada de lejana familiaridad, que se asentó en un cafecito prosaico que se asomaba en la esquina.

–Ahí se ve bien –dijo ella–. Vamos, se está poniendo bien oscuro y… pues ya qué nos queda…

Del sentimiento de no estar del todo” (en La vuelta al día en ochenta mundos, Siglo XXI, 1967) es el título de un ensayo de Julio Cortázar, que explica la manera en la que las personas como él –los extrañados, los cronopios– experimentan el mundo. Además de ayudarnos a entender a Cortázar como autor, las ideas de este ensayo nos pueden servir como brújula absurda para navegar la ciudad de México y para comprender por qué hay que maldecir el día que André Breton descendió de su tren en la estación Buenavista.

Cortázar escribe que “el sentimiento de no estar del todo en cualquiera de las estructuras que arma la vida”, resulta de “la coexistencia pocas veces pacífica de por lo menos dos aperturas al mundo” (por un lado, la que es más propia del niño, y por el otro, de la que corresponde más bien al adulto) en un mismo individuo. Este sentimiento, si no es rechazado de entrada, provoca extrañeza ante la vida cotidiana; la extrañeza, a su vez, suscita un mecanismo de challenge and response, o sea, la persona extrañada siente la necesidad de reaccionar de alguna manera.

Esta reacción puede ser de orden poético o filosófico, pero la mayoría de las veces los extrañados se dan cuenta de que sospechar de la realidad no implica necesariamente ser ni poeta ni filósofo. Lo que suele suceder es que “los extrañados a secas se integran en la excentricidad hasta un punto en que lo excepcional de esa condición, que suscita el challenge para el poeta o el filósofo, tiende a volverse condición natural del sujeto extrañado”.

Sea cual sea el desenlace, lo importante es el proceso que se inicia al asumir el sentimiento de no estar del todo: se rompe el acuerdo de paz entre “la circunstancia y los circunstanciados”, y entonces podemos ver “el jardín donde los árboles tienen frutos que son, por supuesto, piedras preciosas”.

Pero no todos se atreven a asomarse al jardín. André Breton, enfrentado con la extrañeza que le provocó la ciudad de México, optó por reducir todo a un fenómeno estético –el surrealismo. Tal vez su reacción se puede considerar como muestra de la debilitación del movimiento que él mismo inició, o quizás, el profesor francés no pudo soportar la fragmentación que la realidad sufre a cada instante en esta ciudad.

Cambiemos, entonces, de perspectiva. Dejemos de evocar, cada vez que algo rasga el curso normal de la vida, esa lápida que puso Breton sobre todos nosotros, y, mejor, permitámonos espiar por la rendija de lo extraño. Quién sabe qué pueda resultar de ello, pero, personalmente, a mi me gustaría ver la ciudad de México poblada de cada vez más y más excéntricos –así seamos tan sólo neuróticos funcionales–, nutriendo una reserva de subversión para enfrentar los tiempos distópicos que nos esperan.

Por Cipriano de Guimarães

De origen brasileño Sebastião Salgado es uno de los reporteros gráficos contemporáneos más respetados del mundo. Salgado, que fue nombrado Representante Especial del la UNICEF el 3 de abril de 2001, su trabajo retrata las vidas de los desposeídos del mundo. Esta labor se ha plasmado en diez libros y diversas exposiciones las cuales le han valido numerosos premios en Europa y el continente americano.

Su primer carrera es la de economista, de ahí paso a formarse como fotógrafo en 1973.

Su primer acercamiento con la fotografía fue mientras viajaba por África como consejero económico en 1970. En 1973 dejó su trabajo para viajar a África con su esposa para documentar el hambre allí. En 1974 se unió a la agencia Sygma, a continuación, la agencia Gamma (1975 1979). En 1979 fue invitado a unirse a Magnum
De blanco y negro, de sujetos, de miradas, de dolor, de injusticia, de trabajo de guerra, de pobreza, de dignidad de muchas personas, de la indignación de otras su trabajo.
Humanista en su totalidad Slagado busca dar voz, un grito a todas aquellas personas que estas en situaciones difíciles.
Como espectador no hay manera en que el trabajo de Slagado no logre mover al menos una mínima parte, o te genere un sentimiento mínimo, la belleza pero a la vez de fuerza punzante de su trabajo lo coloca como uno de los fotógrafos contemporáneos más destacados.

Ha sido esta misma labor humanista la que lo ha llevado a colaborar con distintas instituciones como: UNICEF, la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR), la Organización Mundial de la Salud (OMS), Médicos sin fronteras, y Amnesty International. Junto a su esposa, Lélia Wanick Salgado, el Representante Especial del UNICEF presta apoyo a un proyecto de reforestación y revitalización comunitaria en el estado brasileño de Minas Gerais.


@jesuismish

¿Quien es Xipe Tótec? ¿Quién es Thomas Glassford? ¿Qué tienen en común? Después de leer este pequeño artículo, apantallarás a todas tus tías esta cena de Navidad. ¡Que niño tan listo!

Xipe Tótec como ya lo habrás deducido, es un nombre en Náhuatl. Significa “Nuestro Señor” y es la deidad Azteca que representa la parte masculina del universo (tan poco representada hoy en día). Xipe tambien representaba (o representa, para los que aún lo creen) la juventud, el maiz tierno, la abundancia, la riqueza, el amor y la fertilidad. ¿Buena deidad para venerar no? Digo, a mi me gustan todas esas cosas, sobretodo la juventud y el maiz tierno. Pero bueno, esos son gustos personales y me estoy alejando del tema. Xipe Totec sin embargo, no nos podía fallar en términos de estereotipos y por lo tanto también es la deidad de los sacrificios. Los esclavos eran sacrificados a nuestro amigo porque él alguna vez se quitó la piel para alimentar a la humanidad.  Muy bien, ya tienes el primer tema del que ahora eres experto, ahora falta el segundo. Hoy en día existe un hombre y él se llama Thomas Glassford.

Glassford Nació en Laredo, Texas y obtuvo un BFA de la universidad de Austin. A pesar de ser un ciudadano de los Estados Unidos, Glassford siempre se vió atraído a nuestro país. A lo largo de su carrera ha expuesto decenas de veces en México, país desde donde opera. Este año, Glassford ha creado su obra más grande. Adivinen cómo se llama. Sí, se llama Xipe Tótec. ¿Y qué es? Es una inmensa instalación de luces que recubre el antiguo edificio de relaciones exteriores en Tlatelolco. Todas las noches, la Plaza de las Tres Culturas verá este histórico edificio modernista brillar como un faro hacia el Centro Cultural Tlatelolco. Xipe Tótec dió su piel para alimentarnos y la ubicación de la obra de Glassford es un comentario claro sobre la reciente historia capitalina: el movimiento estudiantil dió su vida para que hoy tengamos espacios de expresión tales como el CCT.

Guillermo Martínez de Velasco